Arnaldo Coen tenía una manera particular de describirse: multidisciplinario, interdisciplinario y, sobre todo, «indisciplinario». La última palabra parecía divertirle especialmente, quizá porque le permitía escapar de las categorías con las que la historia del arte intenta ordenar a sus protagonistas. Había pintado cuerpos atravesados por geometrías, construido objetos difíciles de clasificar, trabajado con músicos y poetas, intervenido espacios y participado en acciones que cuestionaban el propio sentido de una obra artística. A los 86 años continuaba experimentando.
El artista mexicano falleció durante la madrugada del domingo 8 de noviembre de 2026. Su esposa, la galerista Lourdes Sosa, comunicó la noticia mediante un mensaje en el que recordó su curiosidad, su humor y aquella fascinación por los misterios de la existencia que habían acompañado su trabajo. Hasta pocos días antes, Coen continuaba creando en su taller, donde acostumbraba pasar largas jornadas entre materiales y obras en proceso.
Su muerte cierra una trayectoria estrechamente vinculada con la transformación del arte mexicano durante la segunda mitad del siglo XX. Integrante de la llamada Generación de la Ruptura, participó en una época que discutía el predominio de la Escuela Mexicana de Pintura y buscaba nuevas relaciones entre la obra, el espectador y los espacios donde ambos podían encontrarse. Su producción, sin embargo, resulta difícil de acomodar incluso dentro de aquel movimiento: cada respuesta parecía conducirlo hacia otro material, otra colaboración, alguna pregunta inesperada.
La generación que decidió romper
Nacido en Ciudad de México el 10 de junio de 1940, Arnaldo Coen creció en una familia cercana a la música. Su abuela fue la soprano Fanny Anitúa, y las experiencias sonoras formaron parte de su vida mucho antes de convertirse en materia de sus investigaciones artísticas. Siendo adolescente conoció a Diego Rivera, quien lo alentó a continuar pintando. Su formación se desarrolló principalmente fuera de las escuelas tradicionales, mediante el contacto con talleres y artistas. En 1958 ingresó al taller de Lawrence Calcagno y cinco años después presentó su primera exposición individual.
La escena artística mexicana atravesaba entonces una transformación. Durante décadas, el muralismo de Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros había ocupado un lugar central en la construcción de la identidad cultural posrevolucionaria. Sus grandes composiciones públicas habían establecido un lenguaje ligado a la historia nacional, las luchas sociales y las aspiraciones políticas de su tiempo. Pero hacia mediados del siglo XX, una generación de artistas comenzó a cuestionar el peso que aquella tradición ejercía sobre las posibilidades de la pintura.
Manuel Felguérez, Vicente Rojo, José Luis Cuevas, Lilia Carrillo, Fernando García Ponce y el propio Coen formaron parte de ese ambiente de renovación. Sus propuestas eran distintas y, en ocasiones, contradictorias. Algunos trabajaban desde la abstracción geométrica o gestual; otros defendían una figuración distante del relato heroico nacional. La llamada Generación de la Ruptura nunca constituyó una escuela uniforme, y su denominación terminaría agrupando experiencias que no siempre compartieron los mismos propósitos.
Lo que estaba en discusión era la autoridad de un modelo artístico que parecía establecer qué asuntos, lenguajes y formas podían considerarse representativos de México. Para Coen, aquella apertura significó la posibilidad de explorar el cuerpo humano, la geometría y el erotismo sin someterlos a una narración histórica predeterminada. Sus figuras femeninas comenzaron a aparecer fragmentadas, intervenidas por colores intensos y estructuras que alteraban sus proporciones. En ocasiones, los torsos parecían maniquíes o imágenes extraídas de la publicidad; en otras, se transformaban en superficies sobre las cuales el pintor ensayaba nuevas relaciones espaciales.
Uno de los episodios decisivos ocurrió en 1968, cuando Coen participó en la fundación del Salón Independiente junto con artistas como Helen Escobedo, Vicente Rojo y Manuel Felguérez. La iniciativa surgió frente a las condiciones y decisiones institucionales del Salón Solar, organizado en el marco de la Olimpiada Cultural de los Juegos Olímpicos de México. El nuevo espacio reunió a creadores figurativos, abstractos y experimentales que buscaban exhibir sus trabajos al margen de las restricciones oficiales.
Aquel año estuvo marcado también por el movimiento estudiantil y la represión del 2 de octubre en Tlatelolco. La relación entre arte e instituciones adquiría una urgencia particular. El Salón Independiente no resolvió las diferencias entre sus participantes, pero abrió un espacio donde podían convivir propuestas que hasta entonces habían encontrado dificultades para hacerlo.
Coen recordaría aquella época como un periodo de intercambios y complicidades entre pintores, escritores, músicos y gente de teatro. Su propia trayectoria conservaría algo de esa convivencia: una disposición a trabajar con otros y a permitir que las ideas cambiaran al entrar en contacto con lenguajes ajenos.
Robar el arte, escuchar las formas
En 1972, durante Documenta 5, celebrada en Kassel, Alemania, Coen participó junto con Juan José Gurrola y Gelsen Gas en Robarte el Arte, una intervención filmada que ponía en discusión las convenciones de exhibición y los mecanismos mediante los cuales una obra adquiere valor dentro del sistema artístico. El título, deliberadamente provocador, condensaba una inquietud que atravesaría buena parte de su trayectoria: cuestionar quién determina los límites del arte y qué sucede cuando sus objetos abandonan los lugares que habitualmente ocupan.
Su producción continuó expandiéndose hacia la escultura, la pintura-objeto, los ambientes, la escenografía y el vestuario teatral. Las posibilidades de la perspectiva, las transformaciones del cubo y las relaciones entre figura y espacio se convirtieron en asuntos recurrentes. Coen parecía interesado en descubrir hasta dónde podía desplazarse una imagen antes de convertirse en otra cosa.
La música ocupó un lugar especialmente cercano. Su colaboración con el compositor Mario Lavista en Jaula, una propuesta vinculada con la experimentación sonora y el universo de John Cage, le permitió investigar las correspondencias entre percepción visual y experiencia auditiva. También estableció relaciones creativas con la literatura y la poesía, entre ellas su trabajo alrededor de Carta de creencia, de Octavio Paz.
Estas aproximaciones respondían a una curiosidad que difícilmente podía quedar satisfecha dentro de una sola disciplina. En sus investigaciones, una estructura geométrica podía sugerir movimiento; una secuencia visual podía adquirir cierta organización musical. Los procedimientos de un lenguaje se trasladaban a otro sin que necesariamente desaparecieran sus diferencias.
A lo largo de los años, esa disposición le permitió regresar a ciertos motivos sin repetirlos exactamente. Los cuerpos, las formas geométricas y las posibilidades del espacio reaparecieron en series que cambiaban de soporte y escala. La pintura conservó un lugar central en su trabajo, aunque rara vez permaneció aislada de sus demás intereses.
En 2023, el Museo de Arte Moderno presentó Arnaldo Coen. Reflejo de lo invisible, una exposición que revisó seis décadas de su producción. El recorrido permitía observar la persistencia de algunas preocupaciones y los numerosos caminos que había encontrado para desarrollarlas. El artista que perteneció a la Ruptura seguía dispuesto a poner en duda incluso las soluciones que había descubierto por cuenta propia.
Una curiosidad que permaneció despierta
Coen recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes en 2014 y la Medalla Bellas Artes en Artes Visuales en 2022. Su trabajo ingresó a colecciones públicas y privadas, entre ellas las del Museo de Arte Moderno, el Museo Universitario Arte Contemporáneo y el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez. También fue miembro de número de la Academia de Artes y miembro titular del Seminario de Cultura Mexicana.
Los reconocimientos llegaron mientras continuaba trabajando. Durante sus últimos años participó en exposiciones y proyectos de gran formato, conservando el interés por las relaciones entre el color y el espacio. Su obra siguió circulando en galerías y museos, donde podían encontrarse piezas realizadas con décadas de distancia y descubrir, entre ellas, una conversación todavía abierta.
Lourdes Sosa contó, tras su fallecimiento, que durante 2026 trabajó con una intensidad particular y dejó obras recientes pendientes de mostrarse. Hasta el lunes anterior a su muerte había continuado creando. Hay algo conmovedor en imaginar esa rutina: el artista entrando a su taller por la mañana, revisando materiales, probando combinaciones, deteniéndose ante una forma que todavía no terminaba de resolver. Después de más de sesenta años de oficio, seguía encontrando razones para comenzar otra pieza.
La historia del arte mexicano suele presentar a la Generación de la Ruptura como un episodio de renovación frente al predominio del muralismo. Esa lectura permite comprender el contexto en el que surgieron sus integrantes, aunque resulta insuficiente para explicar todo lo que hicieron después. Las trayectorias de Felguérez, Rojo, Carrillo o Coen siguieron direcciones particulares, a veces alejadas de las discusiones que inicialmente los habían reunido.
En el caso de Coen, la libertad conquistada por aquella generación se convirtió en una práctica cotidiana. Su interés por la experimentación colectiva, la geometría y las relaciones entre imagen y sonido continuó mucho después de que la Ruptura adquiriera un lugar establecido en los libros de historia.
Quizá por eso la palabra «indisciplina» resulta tan apropiada para recordarlo. Conserva algo de su humor y una disposición a desconfiar de las respuestas demasiado terminantes. Coen siguió trabajando cuando ya había recibido algunos de los principales reconocimientos culturales de México, cuando su nombre formaba parte de museos y colecciones. En el taller quedaban materiales, ideas y obras que todavía podían cambiar de forma. Algunas, según ha contado su esposa, esperan encontrar a sus espectadores.
